Johannes Brahms (* 7. Mai 1833 in Hamburg; † 3. April 1897 in Wien) war ein deutscher Komponist, Pianist und Dirigent der Romantik. Geboren in einer lutherischen Familie in Hamburg, verbrachte Brahms einen Großteil seines Berufslebens in Wien. Sein Ruf und sein Status als Komponist sind so groß, dass er manchmal zusammen mit Johann Sebastian Bach und Ludwig van Beethoven zu den „Drei B“ der Musik gezählt wird – eine Aussage, die ursprünglich vom Dirigenten Hans von Bülow aus dem 19. Jahrhundert stammt. Brahms komponierte für Sinfonieorchester, Kammerensembles, Klavier, Orgel sowie Gesang und Chor. Als virtuoser Pianist brachte er viele seiner eigenen Werke zur Uraufführung. Er arbeitete mit einigen der bedeutendsten Interpreten seiner Zeit zusammen, darunter die Pianistin Clara Schumann und der Geiger Joseph Joachim (die drei waren eng befreundet). Viele seiner Werke sind zu festen Bestandteilen des modernen Konzertrepertoires geworden. Als kompromissloser Perfektionist zerstörte Brahms einige seiner Werke und ließ andere unveröffentlicht.

Brahms galt bei seinen Zeitgenossen und späteren Komponisten als Traditionalist und Innovator zugleich. Seine Musik ist fest in den Strukturen und Kompositionstechniken der klassischen Meister verwurzelt. Während viele Zeitgenossen seine Musik als zu akademisch empfanden, wurden sein Beitrag und seine handwerkliche Kunstfertigkeit von so unterschiedlichen späteren Komponisten wie Arnold Schönberg und Edward Elgar bewundert. Die sorgfältige, hochkonstruktive Gestaltung von Brahms' Werken war Ausgangspunkt und Inspiration für eine ganze Generation von Komponisten. In seine akribischen Strukturen sind jedoch auch zutiefst romantische Motive eingebettet.

Leben – Frühe Jahre (1833–1850)
Brahms’ Vater, Johann Jakob Brahms (1806–1872), stammte aus der Stadt Heide in Holstein. Der Familienname wurde manchmal auch „Brahmst“ oder „Brams“ geschrieben und leitet sich von „Bram“ ab, dem deutschen Wort für Strauchginster. Gegen den Willen der Familie schlug Johann Jakob eine Musikerkarriere ein und kam 1826 nach Hamburg, wo er Arbeit als Gelegenheitsmusiker sowie Streich- und Bläser fand. 1830 heiratete er Johanna Henrika Christiane Nissen (1789–1865), eine 17 Jahre ältere Näherin. Im selben Jahr wurde er Hornist bei der Hamburger Bürgerwehr. Schließlich wurde er Kontrabassist am Hamburger Stadttheater und in der Hamburgischen Philharmonischen Gesellschaft. Als Johann Jakob wohlhabend wurde, zog die Familie im Laufe der Jahre in immer bessere Wohnungen in Hamburg. Johannes Brahms wurde 1833 geboren; seine Schwester Elisabeth (Elise) kam 1831 zur Welt und sein jüngerer Bruder Fritz Friedrich (Fritz) wurde 1835 geboren. Fritz wurde ebenfalls Pianist; im Schatten seines Bruders wanderte er 1867 nach Caracas aus und kehrte später als Lehrer nach Hamburg zurück.

Johann Jakob gab seinem Sohn die erste musikalische Ausbildung; Johannes erlernte außerdem das Geigenspiel und die Grundlagen des Cellospiels. Ab 1840 studierte er Klavier bei Otto Friedrich Willibald Cossel (1813–1865). Cossel beklagte sich 1842, Brahms könne zwar ein so guter Spieler sein, aber er werde nicht aufhören, unaufhörlich zu komponieren. Im Alter von zehn Jahren gab Brahms sein Debüt als Interpret in einem Privatkonzert, bei dem er Beethovens Quintett für Klavier und Bläser op. 16 und ein Klavierquartett von Mozart aufführte. Als Solowerk spielte er auch eine Etüde von Henri Herz. Bis 1845 hatte er eine Klaviersonate in g-Moll geschrieben. Brahms' Eltern missbilligten seine frühen Bemühungen als Komponist, da sie der Meinung waren, er habe als Interpret bessere Karrierechancen.

Von 1845 bis 1848 studierte Brahms bei Cossels Lehrer, dem Pianisten und Komponisten Eduard Marxsen (1806–1887). Marxsen kannte Beethoven und Schubert persönlich, bewunderte die Werke Mozarts und Haydns und war ein Liebhaber der Musik J. S. Bachs. Marxsen vermittelte Brahms die Tradition dieser Komponisten und stellte sicher, dass Brahms’ eigene Kompositionen in dieser Tradition verankert waren. 1847 trat Brahms erstmals öffentlich als Solopianist in Hamburg auf und spielte eine Fantasie von Sigismund Thalberg. Sein erstes richtiges Klavierkonzert 1848 umfasste eine Fuge von Bach sowie Werke von Marxsen und zeitgenössischen Virtuosen wie Jacob Rosenhain. Ein zweites Konzert im April 1849 beinhaltete Beethovens Waldsteinsonate und eine Walzerfantasie seiner eigenen Komposition und erhielt positive Zeitungskritiken.

Zu Brahms’ Kompositionen dieser Zeit zählen bekanntermaßen Klaviermusik, Kammermusik und Werke für Männerchor. Unter dem Pseudonym „G.W. Marks“ wurden 1849 einige Klavierbearbeitungen und Fantasien bei der Hamburger Firma Cranz veröffentlicht. Die frühesten Werke Brahms’, die er anerkannte (sein Scherzo op. 4 und das Lied Heimkehr op. 7 Nr. 6), stammen aus dem Jahr 1851. Später bemühte sich Brahms jedoch eifrig, alle seine frühen Werke zu vernichten; noch 1880 schrieb er seiner Freundin Elise Giesemann, ihr seine Manuskripte mit Chormusik zur Vernichtung zu schicken.

Hartnäckige Geschichten über den verarmten Jugendlichen Brahms, der in Bars und Bordellen spielte, haben nur anekdotische Ursprünge und werden von vielen modernen Wissenschaftlern zurückgewiesen; die Familie Brahms war relativ wohlhabend, und die Hamburger Gesetzgebung verbot strengstens das Musizieren in Bordellen oder den Zutritt Minderjähriger zu Bordellen.

Frühe Karriere (1850–1862)
1850 traf Brahms den ungarischen Geiger Ede Reményi und begleitete ihn in den folgenden Jahren bei zahlreichen Konzerten. Dies war Brahms’ Einführung in die Zigeunermusik, beispielsweise den Csárdas, der später die Grundlage seiner erfolgreichsten und beliebtesten Kompositionen, der beiden Ungarischen Tänze (1869 und 1880), bilden sollte. 1850 kam es auch zu Brahms’ erstem (wenn auch erfolglosen) Kontakt mit Robert Schumann. Während Schumanns Besuch in Hamburg in diesem Jahr überredeten Freunde Brahms, ihnen einige seiner Kompositionen zu schicken, doch das Paket kam ungeöffnet zurück.

1853 unternahm Brahms mit Reményi eine Konzerttournee. Ende Mai besuchten die beiden den Geiger und Komponisten Joseph Joachim in Hannover. Brahms hatte Joachim zuvor als Solosänger in Beethovens Violinkonzert gehört und war tief beeindruckt. Brahms spielte Joachim einige seiner eigenen Klavierstücke vor, der sich fünfzig Jahre später erinnerte: „Niemals in meinem Künstlerleben war ich so überwältigt.“ Dies war der Beginn einer lebenslangen Freundschaft, die jedoch vorübergehend zerbrach, als Brahms sich im Scheidungsverfahren von 1883 auf die Seite von Joachims Frau stellte. Brahms bewunderte Joachim auch als Komponisten, und 1856 begannen sie ein gemeinsames Training, um ihre Fähigkeiten (in Brahms' Worten) in „doppeltem Kontrapunkt, Kanons, Fugen, Präludien oder was auch immer“ zu verbessern. Bozarth stellt fest, dass „zu den Produkten von Brahms‘ Studium des Kontrapunkts und der Alten Musik in den nächsten Jahren Tanzstücke, Präludien und Fugen für Orgel sowie Chorwerke der Neorenaissance und des Neobarock gehörten.“

Nach dem Treffen mit Joachim besuchten Brahms und Reményi Weimar, wo Brahms Franz Liszt, Peter Cornelius und Joachim Raff traf und Liszt Brahms' Scherzo op. 4 vom Blatt spielte. Reményi behauptete, Brahms habe während Liszts Aufführung seiner eigenen h-Moll-Sonate geschlafen; diese und andere Meinungsverschiedenheiten führten dazu, dass sich ihre Wege trennten.

Brahms besuchte Düsseldorf im Oktober 1853 und wurde, mit einem Empfehlungsschreiben von Joachim versehen, von Schumann und seiner Frau Clara empfangen. Schumann, tief beeindruckt und erfreut vom Talent des 20-Jährigen, veröffentlichte in der Neuen Zeitschrift für Musik vom 28. Oktober einen Artikel mit dem Titel „Neue Bahnen“, in dem er Brahms als jemanden bezeichnete, dem es „bestimmt war, der Zeit auf höchste und idealste Weise Ausdruck zu verleihen“. Dieses Lob dürfte Brahms' selbstkritischen Anspruch an Perfektion verstärkt und sein Selbstvertrauen erschüttert haben. Im November 1853 schrieb er an Schumann, sein Lob werde „so außergewöhnliche Erwartungen beim Publikum wecken, dass ich nicht weiß, wie ich sie erfüllen kann“. Während seines Aufenthalts in Düsseldorf schrieb Brahms zusammen mit Schumann und dessen Schüler Albert Dietrich jeweils einen Satz einer Violinsonate für Joachim, die „F-A-E-Sonate“, wobei die Buchstaben die Initialen von Joachims persönlichem Motto „Frei aber einsam“ darstellen.

Schumanns Auszeichnung führte zur ersten Veröffentlichung von Brahms' Werken unter seinem eigenen Namen. Brahms ging nach Leipzig, wo Breitkopf & Härtel seine Opus 1–4 (die Klaviersonaten Nr. 1 und 2, die Sechs Lieder op. 3 und das Scherzo op. 4) veröffentlichte, während Bartholf Senff die Dritte Klaviersonate op. 5 und die Sechs Lieder op. 6 herausbrachte. In Leipzig gab er Konzerte, bei denen er auch seine ersten beiden Klaviersonaten aufführte, und traf unter anderem Ferdinand David, Ignaz Moscheles und Hector Berlioz.

Nach Schumanns Selbstmordversuch und der anschließenden Einweisung in eine Nervenheilanstalt bei Bonn im Februar 1854 (wo er 1856 an einer Lungenentzündung starb) ließ sich Brahms in Düsseldorf nieder, wo er den Haushalt führte und in Claras Namen geschäftliche Angelegenheiten regelte. Clara durfte Robert erst zwei Tage vor dessen Tod besuchen, doch Brahms konnte ihn besuchen und fungierte als Vermittler. Brahms begann, tiefe Gefühle für Clara zu entwickeln, die für ihn ein Ideal der Weiblichkeit darstellte. Ihre intensive, platonische Beziehung hielt bis zu Claras Tod. Im Juni 1854 widmete Brahms Clara sein Opus 9, die Variationen über ein Thema von Schumann. Clara unterstützte Brahms weiterhin in ihrer Karriere, indem sie seine Musik in ihre Konzerte einbaute.

Nach der Veröffentlichung seiner Balladen für Klavier op. 10 veröffentlichte Brahms bis 1860 keine weiteren Werke. Sein Hauptprojekt dieser Zeit war das Klavierkonzert in d-Moll, das er 1854 als Werk für zwei Klaviere begonnen hatte, dem er aber bald ein größeres Format abverlangte. Zu dieser Zeit lebte er in Hamburg und erhielt mit Claras Unterstützung eine Stelle als Hofmusiker am kleinen Detmolder Hof, der Hauptstadt des Fürstentums Lippe, wo er die Winter von 1857 bis 1860 verbrachte und für den er seine beiden Serenaden (1858 und 1859, op. 11 und 16) schrieb. In Hamburg gründete er einen Frauenchor, für den er Musik schrieb und den er dirigierte. In diese Zeit fallen auch seine ersten beiden Klavierquartette (op. 25 und op. 26) und der erste Satz des dritten Klavierquartetts, das schließlich 1875 erschien.

Das Ende des Jahrzehnts brachte für Brahms berufliche Rückschläge. Die Uraufführung des Ersten Klavierkonzerts in Hamburg am 22. Januar 1859, mit dem Komponisten als Solist, wurde schlecht aufgenommen. Brahms schrieb an Joachim, die Aufführung sei „ein brillanter und entscheidender Misserfolg gewesen … Sie zwingt einen, seine Gedanken zu konzentrieren und stärkt den Mut … Aber das Zischen war des Guten zu viel …“ Bei einer zweiten Aufführung war die Reaktion des Publikums so feindselig, dass Brahms nach dem ersten Satz davon abgehalten werden musste, die Bühne zu verlassen. Infolge dieser Reaktionen lehnten Breitkopf und Härtel es ab, seine neuen Kompositionen anzunehmen. Brahms knüpfte daraufhin Kontakte zu anderen Verlegern, darunter Simrock, der schließlich sein wichtigster Verlagspartner wurde. Brahms griff 1860 erneut in die Debatte über die Zukunft der deutschen Musik ein, was jedoch zu einem schweren Fehlschlag führte. Gemeinsam mit Joachim und anderen bereitete er einen Angriff auf Liszts Anhänger, die sogenannte „Neudeutsche Schule“, vor (obwohl Brahms selbst der Musik Richard Wagners, deren Leitfigur, wohlgesinnt war). Sie wandten sich insbesondere gegen die Ablehnung traditioneller Musikformen und das „wuchernde, elende Unkraut, das aus Liszt-artigen Fantasien wuchs“. Ein Entwurf gelangte an die Presse, und die Neue Zeitschrift für Musik veröffentlichte eine Parodie, die Brahms und seine Gefährten als rückwärtsgewandt verspottete. Brahms beteiligte sich nie wieder an öffentlichen musikalischen Polemiken.

Auch Brahms' Privatleben war problematisch. 1859 verlobte er sich mit Agathe von Siebold. Die Verlobung wurde bald gelöst, doch selbst danach schrieb Brahms ihr: „Ich liebe dich! Ich muss dich wiedersehen, aber ich bin unfähig, Fesseln zu tragen. Bitte schreib mir … ob … ich wiederkommen darf, um dich in meine Arme zu schließen, dich zu küssen und dir zu sagen, dass ich dich liebe.“ Sie sahen sich nie wieder, und Brahms bestätigte später einem Freund, dass Agathe seine „letzte Liebe“ war.

Reifezeit (1862–1876)
Brahms hatte gehofft, die Leitung der Hamburger Philharmoniker zu übernehmen, doch 1862 wurde dieser Posten dem Bariton Julius Stockhausen übertragen. (Brahms hoffte weiterhin auf die Stelle; als ihm jedoch 1893 schließlich die Leitung angeboten wurde, lehnte er ab, da er sich „an den Gedanken gewöhnt hatte, andere Wege gehen zu müssen“.) Im Herbst 1862 besuchte Brahms Wien zum ersten Mal und verbrachte den Winter dort. Dort wurde er Freund zweier enger Mitglieder aus Wagners Kreis, seines früheren Freundes Peter Cornelius und Karl Tausig, sowie von Joseph Hellmesberger sen. und Julius Epstein, dem Direktor und Leiter des Violinstudiums bzw. des Klavierstudiums am Wiener Konservatorium. Zu Brahms‘ Kreis wuchsen der namhafte Kritiker (und Gegner der „Neudeutschen Schule“) Eduard Hanslick, der Dirigent Hermann Levi und der Chirurg Theodor Billroth, die zu seinen größten Fürsprechern wurden.

Im Januar 1863 traf Brahms zum ersten Mal mit Richard Wagner zusammen, dem er seine Händel-Variationen op. 24 vorspielte, die er im Vorjahr fertiggestellt hatte. Das Treffen verlief herzlich, obwohl Wagner in späteren Jahren kritische und sogar beleidigende Bemerkungen zu Brahms’ Musik machte. Brahms behielt jedoch zu dieser Zeit und auch später sein großes Interesse an Wagners Musik bei und half bei den Vorbereitungen für Wagners Wiener Konzerte 1862/63. Tausig belohnte ihn dafür mit einem Manuskript eines Teils von Wagners Tannhäuser (das Wagner bereits 1875 verlangt hatte). Die Händel-Variationen waren zusammen mit dem ersten Klavierquartett auch Teil von Brahms’ ersten Wiener Konzerten, bei denen seine Darbietungen beim Publikum und bei den Kritikern besser ankamen als seine Musik.

Obwohl Brahms mit dem Gedanken spielte, auch anderswo als Dirigent tätig zu sein, ließ er sich zunehmend in Wien nieder und machte die Stadt bald zu seiner Heimat. 1863 wurde er zum Dirigenten der Wiener Singakademie ernannt. Er überraschte sein Publikum mit der Aufführung zahlreicher Werke früher deutscher Meister wie Johann Sebastian Bach und Heinrich Schütz sowie anderer früher Komponisten wie Giovanni Gabrieli; neuere Musik war mit Werken von Beethoven und Felix Mendelssohn vertreten. Er schrieb auch Werke für den Chor, darunter sein Motet op. 29. Da er jedoch feststellte, dass die Stelle zu viel Zeit in Anspruch nahm, die er zum Komponieren benötigte, verließ er den Chor im Juni 1864. Von 1864 bis 1876 verbrachte er viele seiner Sommer in Lichtental, heute Teil von Baden-Baden, wo auch Clara Schumann und ihre Familie einige Zeit verbrachten. Sein Haus in Lichtental, wo er an vielen seiner Hauptkompositionen arbeitete, darunter Ein Deutsches Requiem und seine Kammermusikwerke der mittleren Schaffensperiode, ist heute ein Museum.

Jahre des Ruhms (1876–1890)
Brahms’ erste Sinfonie op. 68 erschien 1876, obwohl sie bereits in den frühen 1860er Jahren begonnen worden war (und Brahms Clara und Albert Dietrich eine Version des ersten Satzes angekündigt hatte). Im Laufe des Jahrzehnts entwickelte sie sich sehr allmählich; Die Konzeption des Finales begann möglicherweise erst 1868. Brahms äußerte sich während der Entstehung der Sinfonie zurückhaltend und in typischer Selbstironie. Er schrieb seinen Freunden, sie sei „lang und schwierig“, „nicht gerade charmant“ und, bezeichnenderweise, „lang und in c-Moll“. Wie Richard Taruskin betont, machte dies deutlich, „dass Brahms sich an Beethovens Fünfter Sinfonie orientierte.“

Im Mai 1876 verlieh die Universität Cambridge Brahms und Joachim die Ehrendoktorwürde der Musik, vorausgesetzt, sie komponierten neue Stücke als „Dissertationen“ und erschienen in Cambridge, um ihre Doktorwürde entgegenzunehmen. Brahms lehnte eine Reise nach England ab und beantragte, die Doktorwürde „in absentia“ zu erhalten. Als Dissertation bot er die bereits im November 1876 aufgeführte Sinfonie an. Doch von den beiden reiste nur Joachim nach England, und nur ihm wurde der Doktortitel verliehen. Brahms „nahm die Einladung an“, indem er Joachim die handschriftliche Partitur und Teile seiner ersten Symphonie übergab, der die Aufführung am 8. März 1877 in Cambridge leitete (englische Erstaufführung).

Trotz der positiven Aufnahme der ersten Sinfonie blieb Brahms unzufrieden und überarbeitete den zweiten Satz vor der Veröffentlichung des Werks umfassend. Es folgte eine Reihe gut aufgenommener Orchesterwerke: die Zweite Sinfonie op. 73 (1877), das Violinkonzert op. 77 (1878), das Joachim gewidmet ist, der während der Komposition eng mit ihm zusammenarbeitete, sowie die Akademische Festouvertüre (entstanden nach der Verleihung eines Ehrendoktortitels durch die Universität Breslau) und die Tragische Ouvertüre von 1880. Die Würdigung Brahms' durch Breslau als „führend in der Kunst der ernsten Musik im heutigen Deutschland“ führte zu einem bissigen Kommentar Wagners in seinem Essay „Über Poesie und Komposition“: „Ich kenne einige berühmte Komponisten, die bei ihren Konzertmasken an einem Tag die Verkleidung eines Straßensängers anlegen, am nächsten die Halleluja-Perücke Händels, ein anderes Mal das Kleid eines jüdischen Czardas-Geigers und dann wieder das Gewand einer höchst respektablen Symphonie, die als Nummer Zehn verkleidet ist“ (wobei Brahms‘ Erste Symphonie als vermeintliche zehnte Symphonie Beethovens bezeichnet wird).

Brahms galt inzwischen als bedeutende Persönlichkeit der Musikwelt. Dreimal – erstmals im Februar 1875, später 1876 und 1877 – war er Mitglied der Jury, die den Wiener Staatspreis an den (damals noch wenig bekannten) Komponisten Antonín Dvořák verlieh, und hatte Dvořák erfolgreich seinem Verleger Simrock empfohlen. Die beiden Männer trafen sich 1877 zum ersten Mal, und Dvořák widmete Brahms im selben Jahr sein Streichquartett op. 44. Darüber hinaus wurden ihm verschiedene Ehrungen zuteil: Ludwig II. von Bayern verlieh ihm 1874 den Maximiliansorden für Wissenschaft und Kunst, und der musikbegeisterte Herzog Georg von Meiningen verlieh ihm 1881 das Komturkreuz des Meininger Ordens.

Zu dieser Zeit beschloss Brahms auch, sein Image zu ändern. Obwohl er immer glatt rasiert war, überraschte er seine Freunde 1878 mit einem Bart. Im September schrieb er an den Dirigenten Bernhard Scholz: „Ich komme mit einem großen Bart! Machen Sie Ihre Frau auf einen schrecklichen Anblick gefasst.“ Der Sänger George Henschel erinnerte sich, dass er nach einem Konzert „einen mir unbekannten Mann sah, ziemlich stämmig, von mittlerer Größe, mit langem Haar und Vollbart. Mit sehr tiefer und heiserer Stimme stellte er sich als ‚Musikdirektor Müller‘ vor … Einen Augenblick später lachten wir alle herzlich über Brahms‘ gelungene Verkleidung.“ Der Vorfall zeigt auch Brahms‘ Vorliebe für Streiche.

1882 vollendete Brahms sein Zweites Klavierkonzert op. 83, das er seinem Lehrer Marxsen widmete. Hans von Bülow lud Brahms ein, das Werk mit der Meininger Hofkapelle uraufzuführen. Dies war der Beginn seiner Zusammenarbeit mit Meiningen und mit von Bülow, der Brahms später zu den „Drei B“ zählte. In einem Brief an seine Frau schrieb er: „Du weißt, was ich von Brahms halte: nach Bach und Beethoven der größte, der erhabenste aller Komponisten.“ In den folgenden Jahren wurden seine Dritte Symphonie op. 90 (1883) und seine Vierte Symphonie op. 98 (1885) uraufgeführt. Richard Strauss, der in Meiningen zum Assistenten von Bülows ernannt worden war und sich über Brahms’ Musik unsicher war, war von der Dritten Symphonie überzeugt und begeistert von der Vierten: „Ein gigantisches Werk, großartig in Konzept und Erfindungsreichtum.“ Ein weiterer, wenn auch vorsichtiger Unterstützer aus der jüngeren Generation war Gustav Mahler, der Brahms 1884 zum ersten Mal begegnete und eng mit ihm bekannt blieb. Er schätzte Brahms als Anton Bruckner überlegen ein, hielt ihn jedoch für bodenständiger als Wagner und Beethoven.

1889 besuchte Theo Wangemann, ein Vertreter des amerikanischen Erfinders Thomas Edison, den Komponisten in Wien und lud ihn zu einer experimentellen Aufnahme ein. Brahms spielte eine gekürzte Fassung seines ersten Ungarischen Tanzes und von Josef Strauss' Die Libelle auf dem Klavier. Obwohl die gesprochene Einleitung zu dem kurzen Musikstück deutlich zu hören ist, ist das Klavierspiel aufgrund starker Oberflächengeräusche weitgehend unhörbar. Im selben Jahr wurde Brahms zum Ehrenbürger Hamburgs ernannt und war bis 1948 der einzige in Hamburg geborene Komponist.

Letzte Jahre (1890–1897)
Brahms hatte den acht Jahre älteren Johann Strauss II. in den 1870er Jahren kennengelernt, doch ihre enge Freundschaft besteht erst ab 1889. Brahms bewunderte einen Großteil von Strauss' Musik und ermutigte den Komponisten, bei seinem Verleger Simrock unter Vertrag zu treten. Als Brahms einen Fächer für Strauss‘ Frau Adele signierte, schrieb er die Anfangsnoten des Walzers „An der schönen blauen Donau“ und fügte die Worte „leider nicht von Johannes Brahms“ hinzu.

Nach der erfolgreichen Wiener Premiere seines Zweiten Streichquintetts op. 111 im Jahr 1890 dachte der 57-jährige Brahms darüber nach, sich vom Komponieren zurückzuziehen. Einem Freund sagte er, er habe „genug erreicht; ich habe hier einen sorgenfreien Lebensabend vor mir und kann ihn in Frieden genießen“. Er fand auch Trost in der Begleitung der Mezzosopranistin Alice Barbi und machte ihr möglicherweise einen Heiratsantrag (sie war erst 28). Seine Bewunderung für Richard Mühlfeld, Klarinettist des Meininger Orchesters, weckte sein Interesse am Komponieren neu und brachte ihn dazu, das Klarinettentrio op. 114, das Klarinettenquintett op. 115 (1891) und die beiden Klarinettensonaten op. 120 (1894) zu schreiben. Zu dieser Zeit schrieb Brahms auch seine letzten Klavierzyklen op. 116–119 sowie die Vier ernsten Gesänge op. Zu den weiteren Kompositionen gehören die Orgelchoralvorspiele op. 121 (1896) (die durch den Tod Clara Schumanns veranlasst wurden) und die Elf Choralvorspiele für Orgel op. 122 (1896). Letzteres ist eine Vertonung von „O Welt ich muss dich lassen“ und stellt die letzten Noten dar, die Brahms schrieb. Viele dieser Werke entstanden in seinem Haus in Bad Ischl, das Brahms 1882 zum ersten Mal besucht hatte und ab 1889 jeden Sommer verbrachte.

Im Sommer 1896 wurde bei Brahms Gelbsucht diagnostiziert, doch später im selben Jahr diagnostizierte sein Wiener Arzt Leberkrebs (an dem sein Vater Jakob gestorben war). Brahms' letzter öffentlicher Auftritt war am 3. März 1897, als er Hans Richters 4. Sinfonie dirigierte. Nach jedem der vier Sätze gab es Ovationen. Drei Wochen vor seinem Tod nahm er noch die Gelegenheit wahr, im März 1897 der Premiere von Johann Strauss' Operette Die Göttin der Vernunft beizuwohnen. Sein Zustand verschlechterte sich allmählich und er starb am 3. April 1897 im Alter von 63 Jahren in Wien. Brahms ist auf dem Zentralfriedhof in Wien unter einem von Victor Horta entworfenen Denkmal mit Skulpturen von Ilse von Twardowski begraben.

Musik – Stil und Einflüsse
Brahms bewahrte in seinen Werken einen klassischen Sinn für Form und Ordnung, im Gegensatz zur Opulenz der Musik vieler seiner Zeitgenossen. Viele Bewunderer (wenn auch nicht unbedingt Brahms selbst) sahen ihn daher als Verfechter traditioneller Formen und „reiner Musik“, im Gegensatz zur „neudeutschen“ Programmmusik.

Brahms verehrte Beethoven; in dessen Haus blickte eine Marmorbüste Beethovens auf den Ort herab, an dem er komponierte, und einige Passagen seiner Werke erinnern an Beethovens Stil. Brahms’ Erste Symphonie ist stark von Beethovens Fünfter Symphonie beeinflusst, da beide Werke in c-Moll stehen und im Kampf um einen C-Dur-Triumph enden. Das Hauptthema des Finales der Ersten Symphonie erinnert auch an das Hauptthema des Finales von Beethovens Neunter, und als Brahms auf diese Ähnlichkeit hingewiesen wurde, antwortete er, das könne jeder Dummkopf erkennen. Als das Werk 1876 in Wien uraufgeführt wurde, wurde es sofort als „Beethovens Zehnte“ gefeiert. Tatsächlich wurde die Ähnlichkeit von Brahms’ Musik mit der des späten Beethoven bereits im November 1853 in einem Brief von Albert Dietrich an Ernst Naumann erwähnt.

Brahms war ein Meister des Kontrapunkts. „Für Brahms … waren die kompliziertesten Formen des Kontrapunkts ein natürliches Mittel, seine Gefühle auszudrücken“, schreibt Geiringer. „So wie es Palestrina oder Bach gelang, ihrer Technik spirituelle Bedeutung zu verleihen, so konnte Brahms einen Kanon in motu contrario oder einen Kanon per augmentationem in ein reines Werk lyrischer Poesie verwandeln.“ Brahms-Autoren haben seinen Einsatz des Kontrapunkts kommentiert. So schreibt Geiringer beispielsweise über op. 9, Variationen über ein Thema von Robert Schumann, dass Brahms „alle Möglichkeiten der kontrapunktischen Kunst“ zeige. Im A-Dur-Klavierquartett op. 26 bemerkt Swafford, dass der dritte Satz „dämonisch-kanonisch“ sei und an Haydns berühmtes Menuett für Streichquartett mit dem Titel „Hexenreigen“ erinnere. Swafford meint weiter, dass „thematische Entwicklung, Kontrapunkt und Form die vorherrschenden Fachbegriffe waren, in denen Brahms … über Musik nachdachte“.

Neben seinem kontrapunktischen Können war Brahms’ subtiler Umgang mit Rhythmus und Taktart präsent. Das New Grove Dictionary of Music spekuliert, dass der Kontakt des Teenagers mit ungarischer und Zigeunermusik zu seiner lebenslangen Faszination für unregelmäßige Rhythmen, Triolenfiguren und den Einsatz des Rubato in seinen Kompositionen führte. Die Ungarischen Tänze gehören zu Brahms’ meistgeschätzten Werken. Laut Michael Musgrave (1985, S. 269) „kann es nur ein Komponist mit ihm in der fortgeschrittenen Art seines rhythmischen Denkens aufnehmen, und das ist Strawinsky.“

Brahms’ vollendete Fähigkeiten in Kontrapunkt und Rhythmus kommen in „Ein Deutsches Requiem“ deutlich zum Ausdruck, einem Werk, das teilweise vom Tod seiner Mutter im Jahr 1865 inspiriert war (zu dieser Zeit komponierte er einen Trauermarsch, der die Grundlage für den zweiten Teil, Denn alles Fleisch, bilden sollte), das aber auch Material aus einer Symphonie enthält, die er 1854 begonnen, aber nach Schumanns Selbstmordversuch aufgegeben hatte. Er schrieb einmal, das Requiem „gehöre Schumann“. Der erste Satz dieser aufgegebenen Symphonie wurde als erster Satz des Ersten Klavierkonzerts neu bearbeitet.

Brahms liebte die klassischen Komponisten Mozart und Haydn. Er sammelte Erstausgaben und Autographen ihrer Werke und gab Aufführungsausgaben heraus. Er studierte die Musik vorklassischer Komponisten wie Giovanni Gabrieli, Johann Adolph Hasse, Heinrich Schütz, Domenico Scarlatti, Georg Friedrich Händel und insbesondere Johann Sebastian Bach. Zu seinen Freunden zählten führende Musikwissenschaftler, und zusammen mit Friedrich Chrysander gab er eine Ausgabe der Werke von François Couperin heraus. Brahms gab auch Werke von C. P. E. Bach und W. F. Bach heraus. Inspiration für die Kunst des Kontrapunkts suchte er in älterer Musik; die Themen einiger seiner Werke sind barocken Quellen nachempfunden, wie etwa Bachs Kunst der Fuge im Fugenfinale der Cellosonate Nr. 1 oder der Kantate Nr. 150 desselben Komponisten im Passacaglia-Thema des Finales der Vierten Symphonie. Peter Phillips (2007) erkennt Ähnlichkeiten zwischen Brahms’ rhythmisch aufgeladenen kontrapunktischen Strukturen und denen von Renaissancemeistern wie Giovanni Gabrieli und William Byrd. In Bezug auf Byrds „Though Amaryllis Dance“ bemerkt Philips, dass „die Gegenrhythmen in diesem Stück E. H. Fellowes so begeisterten, dass er sie mit Brahms’ Kompositionsstil verglich.“

Die Komponisten der Frühromantik hatten großen Einfluss auf Brahms, insbesondere Schumann, der ihn als jungen Komponisten förderte. Während seines Aufenthalts in Wien 1862–63 interessierte sich Brahms besonders für die Musik von Franz Schubert. Dessen Einfluss lässt sich in Werken von Brahms aus dieser Zeit erkennen, etwa in den beiden Klavierquartetten op. 25 und op. 26 sowie im Klavierquintett, das auf Schuberts Streichquintett und Grand Duo für Klavier zu vier Händen anspielt. Der Einfluss Chopins und Mendelssohns auf Brahms ist weniger offensichtlich, obwohl sich in seinen Werken gelegentlich Anspielungen auf eines ihrer Werke finden lassen (so spielt beispielsweise Brahms' Scherzo op. 4 auf Chopins Scherzo in b-Moll an; der Scherzosatz in Brahms' Klaviersonate f-Moll op. 5 spielt auf das Finale von Mendelssohns Klaviertrio in c-Moll an).

Brahms erwog, das Komponieren aufzugeben, als es schien, als würden die Neuerungen anderer Komponisten in der erweiterten Tonalität dazu führen, dass die Regel der Tonalität gänzlich gebrochen würde. Obwohl Wagner Brahms mit dessen zunehmender Bekanntheit und Popularität scharf kritisierte, war er den frühen Variationen und der Fuge über ein Thema von Händel begeistert; Brahms selbst bewunderte Wagners Musik vielen Quellen zufolge zutiefst und beschränkte seine Ambivalenz lediglich auf die dramaturgischen Grundsätze von Wagners Theorie.

Brahms verfasste 144 deutsche Volkslieder für Klavier und Gesang. Viele seiner Lieder behandeln volkstümliche Themen oder schildern Szenen aus dem ländlichen Leben.

Werke
Brahms schrieb eine Reihe bedeutender Orchesterwerke, darunter zwei Serenaden, vier Symphonien, zwei Klavierkonzerte (Nr. 1 d-Moll; Nr. 2 B-Dur), ein Violinkonzert, ein Doppelkonzert für Violine und Cello sowie zwei begleitende Orchesterouvertüren, die Akademische Festouvertüre und die Tragische Ouvertüre.

Sein großes Chorwerk „Ein Deutsches Requiem“ ist keine Vertonung der liturgischen Missa pro defunctis, sondern eine Vertonung von Texten, die Brahms aus der Lutherbibel ausgewählt hat. Das Werk entstand in drei wichtigen Lebensabschnitten. Eine frühe Fassung des zweiten Satzes entstand 1854, kurz nach Robert Schumanns Selbstmordversuch, und wurde später in seinem ersten Klavierkonzert verwendet. Der Großteil des Requiems wurde nach dem Tod seiner Mutter im Jahr 1865 komponiert. Der fünfte Satz wurde nach der offiziellen Uraufführung im Jahr 1868 hinzugefügt und das Werk wurde 1869 veröffentlicht.

Zu Brahms’ Werken in Variationsform gehören unter anderem die Variationen und die Fuge über ein Thema von Händel und die Paganini-Variationen, beide für Klavier solo, sowie die Variationen über ein Thema von Haydn (heute manchmal als Antonius-Variationen bezeichnet) in Versionen für zwei Klaviere und für Orchester. Der letzte Satz der Vierten Symphonie op. 98 ist formal eine Passacaglia.

Zu seinen Kammermusikwerken gehören drei Streichquartette, zwei Streichquintette, zwei Streichsextette, ein Klarinettenquintett, ein Klarinettentrio, ein Horntrio, ein Klavierquintett, drei Klavierquartette und vier Klaviertrios (von denen das vierte posthum veröffentlicht wurde). Er komponierte mehrere Instrumentalsonaten für Klavier, darunter drei für Violine, zwei für Cello und zwei für Klarinette (die der Komponist später für Bratsche bearbeitete). Seine Solowerke für Klavier reichen von den frühen Klaviersonaten und Balladen bis zu seinen späten Charakterstücken. Brahms war ein bedeutender Liedkomponist, der über 200 Lieder schrieb. Seine Choralvorspiele für Orgel op. 122, die er kurz vor seinem Tod schrieb, sind zu einem wichtigen Teil des Orgelrepertoires geworden. Sie wurden 1902 posthum veröffentlicht. Das letzte dieser Reihe ist eine Vertonung des Chorals „O Welt ich muss dich lassen“ und waren seine letzten Noten. Es wird oft nicht anerkannt, dass Brahms, Robert und Clara Schumann, Mendelssohn, Liszt und Bruckner allesamt Organisten waren.

Brahms war ein extremer Perfektionist. Er zerstörte viele frühe Werke – darunter eine Violinsonate, die er mit Reményi und dem Geiger Ferdinand David aufgeführt hatte – und behauptete einmal, 20 Streichquartette vernichtet zu haben, bevor er 1873 seine offizielle Erste veröffentlichte. Im Laufe mehrerer Jahre änderte er ein ursprüngliches Projekt für eine Sinfonie in d-Moll in sein erstes Klavierkonzert um. In einem weiteren Fall von Liebe zum Detail arbeitete er fast fünfzehn Jahre lang, von etwa 1861 bis 1876, an der offiziellen Ersten Sinfonie. Schon nach den ersten Aufführungen zerstörte Brahms den ursprünglichen langsamen Satz und ersetzte ihn durch einen anderen, bevor die Partitur veröffentlicht wurde. (Eine mutmaßliche Restaurierung des ursprünglichen langsamen Satzes wurde von Robert Pascall veröffentlicht.)

Ein weiterer Faktor, der zu Brahms’ Perfektionismus beitrug, war Schumanns frühe Begeisterung, der Brahms unbedingt gerecht werden wollte. Schumanns frühe Zustimmung stellte das Selbstvertrauen des Komponisten auf die Probe und könnte zur Verzögerung der Entstehung der Ersten Symphonie beigetragen haben.

Brahms bevorzugte es, absolute Musik zu schreiben, die sich nicht auf eine explizite Szene oder Erzählung bezieht, und schrieb nie eine Oper oder eine symphonische Dichtung.

Trotz seiner Beherrschung großer, komplexer musikalischer Strukturen waren einige seiner beliebtesten Kompositionen zu Lebzeiten kleinformatige Werke, die für den zeitgenössischen Markt der heimischen Musik leicht zugänglich waren. Zu diesen leichteren Werken von Brahms zählen seine Volkstanzsammlungen, die Ungarischen Tänze, die Walzer für Klavier zu vier Händen (op. 39) und der Liebeslieder-Walzer op. 52.

Einfluss
Brahms' Sichtweise war sowohl rückwärtsgewandt als auch zukunftsorientiert; sein Schaffen war oft kühn in der Auseinandersetzung mit Harmonie und Rhythmus. Dadurch beeinflusste er sowohl Komponisten konservativer als auch modernistischer Richtungen. Zu seinen Lebzeiten hinterließ sein Idiom Spuren bei mehreren Komponisten seines persönlichen Kreises, die seine Musik sehr bewunderten, wie etwa Heinrich von Herzogenberg, Robert Fuchs und Julius Röntgen, sowie bei Gustav Jenner, Brahms' einzigem Kompositionsschüler. Antonín Dvořák, der maßgeblich von Brahms gefördert wurde, bewunderte dessen Musik zutiefst und ließ sich in mehreren Werken davon beeinflussen, etwa in der Sinfonie Nr. 7 d-Moll und dem Klaviertrio f-Moll. Merkmale des „Brahms-Stils“ gingen in einer komplexeren Synthese mit anderen zeitgenössischen (vor allem Wagner-) Strömungen in den Werken von Hans Rott, Wilhelm Berger, Max Reger und Franz Schmidt auf, während die britischen Komponisten Hubert Parry und Edward Elgar sowie der Schwede Wilhelm Stenhammar allesamt bezeugten, viel von Brahms' Beispiel gelernt zu haben. Wie Elgar sagte: „Wenn ich mir Brahms' Dritte Symphonie anschaue, fühle ich mich wie ein Pygmäe.“

Ferruccio Busonis frühe Musik zeigt starken Brahms-Einfluss, und Brahms interessierte sich für ihn, obwohl Busoni später dazu neigte, Brahms herabzusetzen. Gegen Ende seines Lebens förderte Brahms Ernő Dohnányi und Alexander von Zemlinsky nachdrücklich. Ihre frühen Kammermusikwerke (und die von Béla Bartók, der mit Dohnányi befreundet war) zeigen eine gründliche Aufnahme des Brahms-Idioms. Zemlinsky war zudem wiederum der Lehrer von Arnold Schönberg, und Brahms war offenbar beeindruckt von Entwürfen zweier Sätze aus Schönbergs frühem Quartett in D-Dur, die Zemlinsky ihm 1897 zeigte. 1933 schrieb Schönberg einen Aufsatz „Brahms der Progressive“ (neu geschrieben 1947), in dem er auf Brahms’ Vorliebe für motivische Sättigung und Unregelmäßigkeiten in Rhythmus und Phrase aufmerksam machte; in seinem letzten Buch (Structural Functions of Harmony, 1948) analysierte er Brahms' „bereicherte Harmonie“ und die Erforschung entfernter Tonbereiche. Diese Bemühungen ebneten den Weg für eine Neubewertung von Brahms' Ruf im 20. Jahrhundert. Schönberg ging sogar so weit, eines von Brahms' Klavierquartetten zu orchestrieren. Schönbergs Schüler Anton Webern bezeichnete Brahms in seinen 1933 posthum unter dem Titel Der Weg zur Neuen Musik veröffentlichten Vorlesungen als jemanden, der die Entwicklungen der Zweiten Wiener Schule vorweggenommen habe, und Weberns eigenes Opus 1, eine orchestrale Passacaglia, ist eindeutig teilweise eine Hommage an und Weiterentwicklung der Variationstechniken des Passacaglia-Finales von Brahms' Vierter Symphonie. Ann Scott hat gezeigt, wie Brahms die Vorgehensweisen der Serialisten vorwegnahm, indem er melodische Fragmente zwischen den Instrumenten neu verteilte, wie im ersten Satz der Klarinettensonate Opus 120 Nr. 2.

Brahms wurde in der deutschen Ruhmeshalle, der Walhalla, geehrt. Am 14. September 2000 wurde er dort als 126. „rühmlich ausgezeichneter Deutscher“ und 13. Komponist unter ihnen mit einer Büste des Bildhauers Milan Knobloch vorgestellt.

Glauben
Brahms wurde als Agnostiker und Humanist beschrieben. Der gläubige Katholik Antonín Dvořák schrieb in einem Brief: „So ein Mann, so eine feine Seele – und er glaubt an nichts! Er glaubt an nichts!“ Auf die Bitte des Dirigenten Karl Reinthaler, seinem Deutschen Requiem weiteren explizit religiösen Text hinzuzufügen, soll Brahms geantwortet haben: „Was den Text betrifft, gestehe ich, dass ich selbst das Wort Deutsch gern weglassen und stattdessen ‚Menschlich‘ verwenden würde; auch auf Passagen wie Johannes 3:16 würde ich nach bestem Wissen und Gewissen verzichten. Andererseits habe ich das eine oder andere gewählt, weil ich Musiker bin, weil ich es brauchte und weil ich bei meinen ehrwürdigen Autoren nichts streichen oder bestreiten kann. Aber ich sollte besser aufhören, bevor ich zu viel verrate.“